Todos los Secretos Para Ver Nacer tu Propio Proyecto Fotográfico

Antes de Empezar… ¿Qué Es Un Proyecto Fotográfico?

Una posible manera de definir un proyecto fotográfico (al menos del tipo de proyectos a que me refiero) es una serie de imágenes que estén relacionadas entre ellas. Estas fotografías deben tener un motivo comunicativo o artístico definido previamente, de manera que todos los elementos que formen parte del proyecto tengan un sentido grupal. Esto quiere decir que el significado de estas imágenes debería ser global y no tanto individual.
Aunque no debemos olvidar que cada imagen debe tener, también, sentido por ella misma. Lo más importante de un proyecto fotográfico es la coherencia, las imágenes que lo conformen deben ser coherentes a nivel narrativo o de contenido (deben explicar lo mismo o hacer referencia al mismo tema) y también a nivel estético (es decir, deberían parecerse estéticamente o, al menos, poder llegar a relacionarse unas con otras).
Existen dos maneras de realizar un conjunto de imágenes como el que estamos definiendo:

• El proyecto fotográfico. Realizar un proyecto implica pensar mucho en cada uno de los elementos que lo formarán. Implica planificar las piezas, prepararlas, obligarse a hacerlas. Ser consciente de ellas.

• La serie fotográfica. Una serie, en cambio, ofrece más libertad. Realizar una serie es, en cierta manera, “aprovechar las circunstancias”, es decir “¡mira! esto me viene fenomenal para mi serie!”. La dificultad de realizar una serie radica en ser capaz de escoger correctamente qué fotos deberían entrar en nuestro proyecto.

Son dos maneras distintas de enfocar el mismo proceso y, aunque en este artículo vamos a hablar en todo momento de “proyecto fotográfico“, estaremos incluyendo, también, el proceso de realización de una serie fotográfica.

Primer Paso: La Idea

La idea es la parte más fundamental de tu proyecto pues si es potente, será lo que más “enganche” al espectador, lo que le anime a seguir viendo (o esperando) tus fotografías. Así pues, es importante cuidarla, perfeccionarla, mimarla. Hay dos maneras de llegar a la idea perfecta para un proyecto fotográfico:

• Tenerla. Tener una idea no siempre es fácil pero, por norma general, bastará con preguntarte “¿Qué me gusta?”. Analiza tu día a día, tus preferencias, tus gustos. Mira también el tipo de fotografía que haces, el tipo de fotografía que te gustaría hacer. Haz algún brainstorming (lluvia de ideas).
• Descubrirla. El subconsciente es muy potente. Tanto que, a veces, puede tener ideas sin que te des cuenta. Puede ser que un día, mirando las fotografías que has hecho en los últimos meses o años, descubras que algunas de ellas están relacionadas por algo. Un tema, una estética, un concepto. Si eres capaz de identificar esto, seguramente hayas descubierto La Idea de tu nuevo proyecto.

Cuando tengas la idea debes hacer algo muy importante, aunque no lo creas necesario: debes inspirarte.

Las dos maneras principales de inspirarse son hacerse con un marco teórico y buscar referentes. Buscar referentes no siempre es fácil, muchas veces no sabemos cómo buscarlos porque los referentes suelen aparecer sin avisar, viendo fotografías o pinturas de otros artistas.

Prueba buscando artistas que hayan trabajado con una idea parecida a la tuya o revisa el trabajo de fotógrafos que te gusten para ver si tienen algo del estilo que quieres hacer. Por supuesto, no debes copiar sus imágenes, esto es sólo para terminar de formar la idea en tu cabeza. El hacerse con un marco teórico no siempre será posible, aunque muchas veces también te ayudará enormemente. Consiste, simplemente, en buscar información sobre el tema elegido. Profundizar en él para conocerlo más y así, poder retratarlo mejor.

Segundo Paso: Primeras Fotos

Las primeras fotos son tan importantes como todas las que vendrán después. Estas primeras aproximaciones a lo que quieres hacer te servirán para terminar de pulir la idea, para ver si es factible, para entender qué camino quieres tomar de los muchos que existen.

Para ello, antes de empezar a disparar, dibujar bocetos puede servirte para organizar, a nivel mental, aquello que quieres hacer. ¿Tienes una idea? Dibújala para que no se te olvide. Aunque no dibujes bien, aunque sea un simple esquema con muñecos de palo. No se trata de hacer una obra de arte, se trata de plasmar aquello que tienes en la cabeza para que no vuele.

Luego intenta llevarlo a cabo fotográficamente. No tengas miedo en desechar alguna de estas imágenes, es más importante que descubras cómo quieres hacerlo que el hecho de querer aprovechar todas las fotos que puedan servirte.

Tercer Paso: Dale Vida a Tu Proyecto

Habiendo llegado aquí, sólo te queda tomar fotos, engordar tu proyecto. Pero sin olvidar una cosa MUY importante: es TU proyecto. El de nadie más. Tú eres el que debe darle vida, el que toma las decisiones, el que hace las fotografías. ¿Quieres ponerle límites a tu proyecto en tiempo, número de fotos o forma de éstas? Tú mandas.

Lo importante es que te dejes la piel en él, que lo consideres algo 100% tuyo y para conseguir esto, tienes que estar totalmente cómodo con lo que estás haciendo. Si no es el caso, cambia lo que creas que debes cambiar: descarta fotos, perfila el tema de otra manera… Puedes incluso dejarlo descansar (si crees que es necesario). Peronunca lo abandones, no lo dejes abierto. Si ves que ya no puedes sacar más de él, quizás ha llegado el momento de darlo por terminado.

Cuarto Paso: Enseñar tu Trabajo

En la época en la que estamos, es complicado encontrar a alguien que esté realizando un proyecto fotográfico y no lo enseñe en algún medio digital (un blog, una galería, una página web).

Sea como sea, hay vida más allá de internet y si hemos estado trabajando en algo grande como un proyecto fotográfico, no debemos dejar de lado la oportunidad de enseñarlo fuera de una pantalla de ordenador. Existen multitud de opciones: exposiciones, fotolibros… sea como sea, una fotografía no se ve de la misma manera en un medio digital que en versión impresa y esta puede ser una buena excusa para empezar a enseñar tu trabajo.

Cómo Fotografiar Comida para Hacerla Irresistible: Un Caso Práctico

¿Que buscamos?
Hay una realidad, la comida entra por los ojos, y sin duda, un plato que parezca apetitoso nos dará muchas ganas de probarlo: ¡qué bien se ve!, ¡que rico huele! y, por último, ¡que buen sabor!. Todo impacta nuestro sentido de la vista, y la comida no es la excepción.
Tenemos que lograr que el espectador tenga ganas de “devorarse” la fotografía. Con solo mirarla, tenemos que despertar apetito e intriga por el sabor.
Buscamos mostrar el plato de tal manera que produzca deseos de comerlo, y para ello, tenemos que prestar atención a la forma en que lo vamos a enseñar porque la guinda es la presentación, ya que sin éso no lograremos captar la atención.
Así también, tenemos que mostrar claramente de qué se trata, es decir, que además de provocar ganas de comerlo, quien mire la fotografía tiene que “saber” de qué se trata el plato en cuestión. Preguntas como ¿es dulce?, ¿es salado?, ¿es agridulce? o ¿qué ingredientes lleva?, tienen que ser respondidas con facilidad con sólo mirar la fotografía.
El desafío, por tanto, es presentar un plato atractivo visualmente, sin perder su esencia. En ciertas ocasiones, puede ser válido usar “extras” que no son comestibles para decorar el plato, ya que sólo buscamos conseguir atracción visual para provocar deseos.
Un claro ejemplo de ésto puede aplicarse en esta composición, donde el brillo de las frutillas se resaltó con silicona líquida para autos rociada con un vaporizador de agua, buscando provocar el deseo de querer comer la fotografía.

¿Cómo programamos la sesión?
La sesión fotográfica debe ser pensada y ejecutada con suma paciencia. Hay que poner cuidado y atención en todos los detalles, desde la preparación del plato, el corte de la porción, el ángulo desde el cual vamos a tomar la foto, los colores de la escena, las luces y las sombras, limpiar el plato de los posibles restos que nos hayan podido caer, sugerir al comensal a probar el plato colocando un tenedor o cuchara en el encuadre…etc. Hay que armar la escena y probar diferentes ángulos hasta que estemos conformes con el resultado logrado.
Para dar con el resultado final, se probaron diferentes encuadres y distintos elementos en la composición, comprobando a través del visor de la cámara como se iba comportando la escena. Ahí van algunos consejos a tener en cuenta:

• Es muy importante elegir el ángulo correcto, colocar un trípode y encuadrar todo desde ahí.

• Un ángulo a 45º por arriba, con una leve inclinación a un lado, funciona para la mayoría de los platos, pero la idea es siempre abrir la creatividad y probar cosas nuevas.

• Como siempre, disparar a el ISO más bajo posible, y usar como regla general un número F tal que la inmensidad de la porción presentada quede en foco, al menos para iniciar la sesión.

• Es de gran utilidad colocar manteles al tono o que produzcan contrastes en la composición junto con otros elementos que ayuden a resaltar el plato: salseras, vinos, copas, o lo que sea para acompañar el plato servido.

• También es importante contar con el consentimiento de un Chef o algún entendido gastronómico para que nos asesore en la presentación y colocación de los elementos, o bien, para que se encargue de preparar el plato.

• El equipo ideal para fotografía gastronómica debería ser, además de la iluminación necesaria, un trípode para dejar la cámara fija y armar la escena en torno al ángulo a tomar la fotografía y un objetivo macro luminoso. Estos objetivos son especiales para capturar muchos detalles y además de poder enfocar en 1:1, la nitidez de la foto terminada es excelente.

¿Cómo la iluminamos?
La iluminación es independiente del tipo de fotografía que estemos buscando. Para mi gusto, el mejor esquema de iluminación para las comidas es usar la luz natural como principal y los flashes como relleno.

• Es decir, trabajar en pleno día a la sombra o bien a la luz del sol, tamizándola con una pantalla difusora.

• Una vez iluminada la escena con luz natural, colocar un softbox por detrás. Si, por detrás. Para lograr un brillo muy amigable en las fotografías de comidas.

• Si prestas atención a las frutillas que forman la decoración del cheesecake, se puede apreciar este lindo efecto.

• Funciona en todos los platos, y casi siempre es suficiente para completar el esquema de iluminación.

• Si con esto no alcanza, o no logramos lo que estamos buscando y el plato nos queda poco iluminado al frente, podemos sumar otro softbox de relleno por delante. Tal como lo tuve que hacer para esta foto.

• La luz principal es el sol, la secundaria es la trasera aportando el reflejo y una tercera luz (si la necesitamos), es la luz frontal, cuya potencia no debe superar la potencia de la luz trasera.

La Belleza Escondida en las Espirales: 12 Fotos de Inspiración en Estado Puro

Puede que te pase como a mi.

A veces me da por pensar que, si no consigo una buena foto, es porque no hay nada a mi alrededor digno de una gran instantánea. ¿Y sabes qué? No puedo estar más equivocado.

Me ha quedado perfectamente claro. Sobre todo, después de ver las hermosas fotos que podría conseguir si me diera cuenta de la belleza que esconden formas sencillas. Como, por ejemplo, las espirales. Si no te lo crees, echa un vistazo a continuación.

Finite staircase

Grid y Snoot: 2 Modificadores de Luz de Flash que Puedes Construir tú Mismo

En la noble tarea de modificar la luz de los flashes para construir diferentes fuentes y esquemas de luz, hay dos tipos de accesorios muy sencillos que ampliarán considerablemente tus opciones. Se trata del Snoot y el Grid. ¿Habías oído hablar de ellos?

En el artículo de hoy te contaré qué son,qué efectos producen sobre la luz y, aunque no se trate de accesorios muy caros (se pueden conseguir por unos pocos euros), te enseñaré cómo puedes construirlos y, si te gusta el bricolaje, incluso pasar un rato entretenido. ¿Te apuntas?

¿Qué es un Grid?

Un grid es un panel que tiene celdas en toda su área ( como un panal de abeja ). Elpropósito de un grid es generar un haz de luz más direccional. En otras palabras, controlar en qué dirección sale la luz de nuestro flash y por lo tanto, darnos más control de dónde llega.

Las celdas que componen un grid pueden cambiar en su tamaño, y eso definirá si concentran más o menos el haz de luz. Esto nos permite iluminar zonas concretas de la imagen sin afectar el resto de la escena, consiguiendo al mismo tiempo que los bordes de nuestra luz tengan transiciones suaves.

Los grid se montan sobre nuestro modificador de luz, un reflector ( los más habituales ), un beauty dish y también los hay para softbox y para Snoot.

¿Qué es un Snoot?

Un snoot es el equivalente a un embudo en iluminación. Un snoot permite focalizar la luz en un punto muy concreto. El tamaño de ese punto dependerá de lo largo de nuestro snoot.

Como efecto paralelo, un snoot tradicional empequeñece el tamaño de nuestra fuente de luz y con ello conseguimos una luz muy dura, de bordes muy pronunciados, es decir que la transición de luz a sombra será abrupta, creando casi un círculo perfecto. Si queremos suavizar esos bordes, podemos usar un Grid en el final de nuestro Snoot.

¿Qué Efectos Producen Grid y Snoot? Unos Ejemplos

Cómo Evitar Reflejos Indeseados en Objetos Brillantes: Teoría y Práctica

Evitar reflejos no deseados en objetos brillantes es un buen reto en fotografía. El escenario puede ser bastante difícil de acometer porque entre otras cosas, con los objetos brillantes no funcionan correctamente las técnicas de iluminación que utilizamos para fotografiar otros tipos de materiales.

Posiblemente buena parte de estas situaciones se puedan resolver fácilmente con unfiltro polarizador, pero para aquellas cámaras que no admiten este accesorio, o simplemente si no lo tienes a mano, la información que viene a continuación puede serte de gran utilidad.

La Teoría

La teoría que hay detrás de las reflexiones de la luz en diferentes tipos de objetos en profundidad da para todo un tratado. Si realmente quieres adentrarte en este tema y otros temas de la física relacionada con la iluminación te recomiendo el libro La iluminación en la fotografía. Ciencia y magia de Fil Hunter, Steven Biver y Paul Fuqua. Este libro es la biblia de la iluminación y si quieres aprender realmente las bases de la iluminación no hay mejor libro. Pero estás avisado: es un libro más teórico que práctico.

Y una Forma Más Intuitiva de Entenderlo

Visualiza un espejo.

Bien, ahora que tienes el espejo en la mente, piensa en qué lugar tienes que situarte respecto al espejo para poder verte reflejado en él. Hay una serie de ángulos de posición respecto al espejo en los que conseguirás ver tu reflejo, mientras que si estas detrás o en ángulos más abiertos no verás tu reflejo.

Así pues de la misma forma que el espejo te permite ver tu imagen reflejada si estas en esos determinados ángulos, la fuente de luz con que iluminas una escena se traducirá en reflejos (será visible) si está en esos ángulos y así lo hará cualquier otro objeto brillante en mayor o menor medida.

A ese grupo de ángulos le llamamos la familia de ángulos que produce reflejos.

Identificando la Familia de Ángulos de Nuestro Objeto

En el ejemplo anterior hablábamos de un espejo para ponerlo más fácil. Pues bien, cuando hablábamos del espejo, bien podemos sustituirlo por el objeto que pretendemos fotografiar. La familia de ángulos o lo que es lo mismo, las posiciones desde donde se creará un brillo o reflejo, cambian según la forma del objeto. Un espejo o la pantalla de un teléfono móvil tienen unos ángulos, mientras que una botella tendrá otros al ser cilíndrica. Su forma cilíndrica hace que la luz que incide en una dirección determinada sea reflejada con otra dirección que en el caso de una superficie plana. Además esta familia de ángulos dependerá de la posición de la cámara respecto al objeto, o lo que es lo mismo, del ángulo de observación.

Una Solución Sencilla

La solución es de lo más simple: pondremos nuestra luz en una posición fuera de la familia de ángulos que producen reflejos. A continuación te muestro en un esquema dónde estaban las luces en los ejemplos anteriores.

La Técnica L.E.D. Para “Limpiar” Tus Fotografías De Elementos No Deseados

En nuestro último artículo sobre fotografía L.E.D. (larga exposición diurna), te hablábamos de cómo lograr sacarle partido a esta técnica para fotografiarescenas con cielos en movimiento o corrientes de agua y el espectacular resultado que es posible lograr.

Recordando En Qué Consistía La Fotografía L.E.D.

Para aquellos que no estéis familiarizados con esta técnica, o con la denominación que le da a la misma Eduardo Martín. La fotografía L.E.D. o de Larga Exposición Diurna es un tipo de fotografía en la que, a través del uso de uno o varios filtros ND, se utilizan tiempos de exposición anormalmente elevados para lo que suele ser habitual en fotografía diurna en exteriores.

Gracias al uso de estos tiempos de exposición elevados se consiguen suaves efectos en cielos y corrientes de agua y, también, como veremos en el artículo de hoy, podemos lograr eliminar de la fotografía elementos que “pasaban” por nuestra escena, pero que no deseábamos que formasen parte del resultado final.

¿En Qué Queremos Que Nos Ayude La Fotografía L.E.D.?

He comentado que puede interesarnos eliminar determinados elementos de nuestra fotografía, ¿pero a qué me estoy refiriendo? Puede que no quede muy claro con lo indicado anteriormente. Así que aquí van tres ejemplos de una de mis últimas salidas fotográficas por Madrid.

En las tres imágenes que ves, mi intención era centrarme en los edificios, emblemáticos todos ellos de la ciudad de Madrid. Y la presencia de automóviles o personas no era para nada deseada. De hecho, contribuyen a despistar al espectador del verdadero objetivo de las fotografías: los edificios.

El denominador común de estos elementos (personas y automóviles), además de restar atención a los verdaderos protagonistas de cada fotografía, sin duda es que se trata de elementos en movimiento. Será gracias a esta característica por lo que podremos eliminarlos fácilmente con la técnica L.E.D., como veremos a continuación.

¿Cómo Lograr Eliminar Estos Elementos de la Escena?

Como sabes, la fotografía L.E.D. permite hacer uso de altísimos tiempos de exposición, por lo que la escena fotografiada está irradiando su luz sobre el sensor durante mucho tiempo.

Esto, unido a que los elementos no deseados de las fotografía están en movimiento, hace que si la exposición es suficientemente larga como para que personas y automóviles recorran la escena y salgan de ella sin “impregnar” el sensor en una posición determinada, los hagamos desaparecer de la fotografía.

Busca Tu Propio Estilo y Conseguirás que tus Fotografías Sean Únicas, Auténticas e Inimitables 1 punto2 puntos3 puntos4 puntos5 puntos (5 votos)

Cuando te inicias en el noble arte de la fotografía, tus primeras inquietudes son conocer los fundamentos básicos del manejo de tu cámara, la técnica, la iluminación y los secretos de la edición.

¿Qué es Tener un Estilo Propio?

Estoy seguro que muchas veces has escuchado una canción y has reconocido de forma inmediata quién es el cantante. De igual modo, has visto un cuadro, leído un libro o visto una película y has sido capaz de adivinar el autor o el director de dichas obras. Éso es tener un estilo propio. Para mí es, posiblemente lo más difícil de conseguir en cualquier arte, pero no por ello hemos de dejar de buscarlo puesto que, todo artista quiere que se le reconozca por tener un estilo personal e inimitable.

Todos tenemos un Estilo Propio

Podrás pensar que un estilo propio es cosa de grandes artistas o gente con mucho talento pero no es así. Cada uno de nosotros es único e irrepetible y por lo tanto tenemos la posibilidad de tenerlo. Lo único que sucede es que por timidez, pereza o falta de determinación es más sencillo copiar el estilo de otros, lo cual no es malo, todo lo contrario, copiar es parte del camino, del aprendizaje, fijarnos en el trabajo de otros para aprender sus técnicas y su método de trabajo. Lo que sí sería malo es quedarnos ahí, conformarnos con parecernos a tal o cual artista.

3 Opciones Diferentes Para Lograr Fantásticas Imágenes Bajo Un Sol Radiante

El sol es una magnífica fuente de luz sin la que no podríamos disfrutar de muchas de nuestras mejores fotografías. Por mucho que seamos unos maestros de la iluminación artificial, la luz natural que ofrece el sol es insustituible en multitud de ocasiones.

Sin embargo, es habitual oír que es recomendable evitar la luz directa del sol por su excesiva dureza y especialmente en las horas centrales del día, donde las sombras son muy acusadas y habitualmente hacen que nuestros sujetos estén incómodos. Son preferibles otras horas como el amanecer, el atardecer, la famosa hora azul…

En este artículo, a pesar de que suele recomendarse evitar la incidencia directa del sol en nuestras fotografías, vamos a ver 3 opciones para lograr magníficas imágenes con la presencia de un sol radiante, ¿quieres conocerlas?

Opción 1: Halos E Imágenes Con Fondos Casi Mágicos

Se trata de imágenes en las que situamos el sol a la espalda del sujeto y obtenemos fondos sobreexpuestos. En cuanto al primer plano, es éste para el que se debe exponer, aunque ello conlleve en algunas ocasiones contrarrestar su menor iluminación mediante el uso de flashes de relleno o reflectores que redirijan la luz del sol sobre el sujeto en primer plano.

La presencia del sol a la espalda permite crear flares en la silueta del sujeto y cargan el ambiente de cierto aspecto sedoso, como puedes ver en la imagen superior.

Para lograr este resultado, es apropiado seleccionar el modo de medición puntual y medir sobre el rostro del sujeto, de modo que se garantice una correcta exposición del sujeto. Esto origina un fondo sobreexpuesto y la aparición de los flares mencionados y, en función de lo sobreexpuesto que esté el fondo, un resultado más o menos “mágico”.

Trabajando Con La Perspectiva: 3 Parámetros Que Te Darán Mucho Juego

En más de una ocasión me ha tocado explicar que el hecho de utilizar una focal u otra para una toma no es un capricho, o una cuestión exclusivamente de la necesidad de acercarnos a la escena. A menudo, podemos caer en el error de pensar que una mayor distancia focal es sólo sinónimo de fotografías a mayor distancia del sujeto.

Si tan sólo fuese esto, es decir, si la focal sólo sirviese para acercarnos o alejarnos a la escena, todo se resolvería dando unos pasos en una u otra dirección, ¿verdad? Sin embargo, como ya vimos, el uso de una u otra focal, por ejemplo, en retrato, es crucial en función del resultado deseado. Y no sólo influye en podernos acercar más o menos al sujeto.

Además, el uso de una u otra focal, la distancia al plano de enfoque y la distancia entre primer plano y fondo, como veremos, también pueden originar la consecución de resultados completamente diferentes. Hoy vamos a ver todo esto. Para ello, jugaremos con la perspectiva…

#1 La Distancia Focal

Aunque, como decía hace un segundo, ya cubrimos esto ampliamente en el artículo sobre la focal más adecuada para la fotografía de retrato, no viene mal recordar algunas de las diferencias entre el uso de una focal u otra.

A grandes rasgos, el uso de una distancia focal superior origina lo siguiente:

• Reducción del ángulo de toma, es decir, la porción de escena fotografiada se reduce a medida que incrementamos la distancia focal.
• Reducción de la distancia entre los planos paralelos al de enfoque, lo que se suele denominar como “compresión de la escena”.
• Reducción de la profundidad de campo. Manteniendo la apertura y la distancia al plano de enfoque, a medida que subimos la distancia focal, la profundidad de campo se va reduciendo considerablemente.

Si bien no hemos mantenido los parámetros de apertura y distancia al plano de enfoque en las dos imágenes superiores, con lo cual la diferente profundidad de campo no sólo puede achacarse a la distancia focal, sí podemos apreciar el diferente ángulo que captan estas dos focales y, sobre todo, la compresión de planos.

Con el uso del 20mm vemos una escena amplísima en la que se ven perfectamente los coches “reales” que están aparcados tras la maqueta. Y se aprecia que están a cierta distancia.

En la imagen tomada con el 85mm, el reducido ángulo de toma apenas deja ver el asfalto que hay unos centímetros detrás de la maqueta, pero ni rastro de lo que hay a poco más de 1 metro tras la maqueta.

Aprende a Pintar con Luz en total Oscuridad y Logra Impactantes Fotografías

Mayoritariamente, queríamos tonos azules y blancos. Decidimos usar hilo luminoso y tape para confeccionar el traje de luzalguna herramienta como el disco.

Estas herramientas no son de alta luminosidad con lo cual, ya teníamos claro que debíamos trabajar con una diafragma bastante abierto. Usamos F 5 + ISO 100 , suficiente para que nuestras herramientas pintasen bien en la oscuridad. En el traje de nuestra modelo colocamos varios hilos luminosos y un Tape blanco en la cintura, todo ello con cinta transparente para disimular esos tramos pegados. Sólo confeccionar el traje nos llevó alrededor de 40 minutos.

Ya teníamos a Madamme Machine preparada así que, tocaban esas pruebas de luzpara ver si se correspondía  lo que estábamos creando con lo que teníamos en mente.

Calculamos el tiempo de exposición que estaríamos con las luces encendidas, y éste fue de alrededor de 3 segundos (después apagaríamos para continuar con la toma pero sin los hilos encendidos). La propia luz de las herramientas ya nos aportaban los reflejos suficientes sobre el traje, con lo cual decidimos, no aportar más iluminación sobre su cuerpo, pero si iluminar su rostro, pelo y también los pies.

Para ello usamos una linterna de leds de las que puedes encontrar en cualquier bazar por 2 euros. Decidimos iluminar de forma cenital sobre nuestra modelo y sin contaminar mucho el traje, que ya destacaría por si mismo con sus reflejos de luz.

Presentada la nueva cámara compacta Fujifilm X30

Fujifilm ya tiene chica nueva en la oficina: la Fujifilm X30. Esta nueva cámara compacta se ha anunciado a nivel mundial, es de lente fija y no solo está recomendada para fotógrafos de categoría profesional, sino que también puede complacer a quienes disfrutan de las fotos por afición. Sus creadores han invertido en ella toda su experiencia a fin de dar forma a un nuevo modelo que sea capaz de llamar la atención en un catálogo como el de Fujifilm, que ya está plagado de cámaras interesantes.

Como para lograr esto es imprescindible tener nuevos recursos, lo que ha hecho Fujifilm ha sido recuperar en la X30 muchos de los rasgos que les han representado en otros modelos y los han combinado con nuevas características. Una de ellas se encuentra en el Real Time Viewfinder, que proporciona un visor de grandes prestaciones y funciones avanzadas. La otra gran novedad es el anillo de control mejorado que se ha incorporado, en formato dual a fin de simplificar el trabajo y proporcionar unos resultados que estén a la altura de las exigencias incluso de los fotógrafos más expertos.

Fujifilm ha querido remarcar que el visor que han incluido en este modelo es el más elaborado que han logrado hasta el momento. Destaca tanto en tamaño como en velocidad, mientras que también es el que mejor nivel de brillo proporciona. Todo se condensa en una cámara compacta que todavía no sabemos cuándo se lanzará y que aún no tiene precio determinado para nuestro mercado (en Japón costará 65,000 yens, unos 475 euros).

Lumix GM5, la nueva cámara de Panasonic

 Una feria como el Photokina suele estar representada por la presentación de nuevas cámaras de gran calidad que irán llegando al mercado en fechas posteriores. Durante la edición 2014 del Photokina prácticamente todos los fabricantes principales han participado de una u otra manera presentando sus nuevos modelos. Panasonic lo ha hecho mostrando la Lumix GM5, nueva cámara que destaca no solo por ofrecer buenos resultados, sino también por su reducido tamaño.

Su sensor es de 16 megapíxeles y tiene tecnología Digital Live MOS para alcanzar buenos resultados en todo tipo de situaciones. Las imágenes que capturamos tienen unos colores vivos y detalles muy variados gracias a que se reduce el ruido de la captura de imagen. Esto garantiza que las imágenes se capturan con calidad tanto en momentos de poca como de mucha luz. En este rendimiento destaca el sistema Intelligent D-range y la oportunidad de realizar la grabación de vídeo en resolución Full HD a 1920 x 1080 píxeles. Los usuarios apreciarán que los archivos que se obtendrán serán MP4 y que la tecnología de sonido representada será Dolby Digital de una alta calidad.

Tiene pantalla de 3 pulgadas y cuenta con funciones adicionales, como el modo silencioso que permite mejores resultados técnicos, así como un sistema con el cual podemos controlar de manera dinámica la presencia del brillo y de las sombras.

Muchas de las claves de las cámaras Lumix de Panasonic se repiten también en este modelo. Por ejemplo, está disponible la tecnología de transmisión de imagen a una tasa de 240 fps. Las buenas sensaciones que proporciona esta tecnología hace que la cámara de Panasonic quede por encima incluso de cámaras de tipo DSLR que han destacado con anterioridad en términos de precisión y también en cuanto a la velocidad del disparo. Las funciones avanzadas de la cámara le dan un valor adicional más allá de lo que hemos mencionado y de lo que otros modelos de la gama Lumix han ofrecido. Por ejemplo, destaca la presencia de un renovado sistema de reconocimiento facial incluido en el enfoque automático, para captar las mejores fotos sin importar el momento ni la situación.

Esta nueva Lumix llegará a las tiendas en el próximo mes de octubre a un precio de 849 euros, lo que la coloca en el ojo del huracán de quienes estén pensando en hacerse con un modelo de cámara de alto rendimiento. Panasonic logra, de nuevo, unos resultados de calidad superior a la media.

Time-lapse

El time-lapse es una técnica fotográfica muy popular usada en cinematografía y fotografía, para mostrar diferentes motivos o sucesos que por lo general suceden a velocidades muy lentas e imperceptibles al ojo humano. El efecto visual que se logra en el time-lapse consiste en que todo lo que se haya capturado se mueva muy rápidamente, como puede ser el movimiento de las nubes, la apertura de una flor, una puesta de sol, etc.

Cómo tomar fotos pin-up

Tomar fotos pin-up con estilo vintage puede ser una tarea divertida y gratificante para un fotógrafo. Las fotos con estilo pin-up pueden poner a prueba las habilidades y técnicas de un fotógrafo, y encontrar la pose e iluminación correcta es siempre un reto divertido. Aquí hay algunos consejos para empezar a tomar fotos pin-up.

Necesitás: 

1. Una cámara
2. Una modelo
3. Buena iluminación (de estudio)
4. Accesorios vintage

Intrucciones: 

1. Busca una buena área o habitación para establecer la sesión fotográfica. Las habitaciones abiertas y vacías son ideales, ya que hay suficiente espacio para hacer poses complejas.
2. Asegúrate de que el estudio tenga al menos tres ángulos de iluminación. Una luz clave que actúe como una luz que llene por completo y otras dos luces que sirvan como luces de relleno para dar efectos de sombra.
3. Coloca a la modelo al menos 3 pies (91,44 cm) del fondo. Esto elimina las sombras raras del fondo y los problemas con el reflejo del flash.
4. Haz que la modelo pose en una posición cómoda y tómale una fotografía. Ten en cuenta las fotos naturales y sin poses que le dan un look de sorpresa o asombro.
5. Mueve a la modelo hasta encontrar el mejor ángulo para tomar la fotografía que te de una composición completa. La mayoría de las poses pin-up incorporan el cuerpo entero y se enfocan menos en un área particular del cuerpo.
6. Dile a la modelo que haga una expresión con ojos de asombro para capturar mejor la calidad pin up. A veces a las modelos se les toman fotografías desde ángulos bajos o de arriba hacia abajo desde una escalera para un efecto más dramático.
   

Fotografía Vintage

La fotografía vintage, también conocida a veces como fotografía antigua, puede referirse al estilo de fotografía o a la edad de una foto. El estilo vintage a menudo se hace en tono sepia con ropa de estilo antiguo. Algunos fotógrafos incluso usan una cámara antigua para lograr una apariencia más auténtica. Las fotografías vintage viejas a menudo son usadas como decoración o puestas en exhibición en museos o centros de historia. Si quieres aprender sobre tomarfotografías vintage o sólo encontrar más información sobre el e

stilo, hay varios lugares dónde buscar.

Hoy se celebra el Día Mundial de la Fotografía, 175 años después de la primera patente

Hoy se celebra en todo el mundo el Día de la Fotografía, recordando la fecha en la que el invento del francés Louis Daguerre fuera presentado públicamente y celebrado como un regalo para la humanidad.

Este mismo día, pero hace 175 años, en 1839, el gobierno francés liberó la patente del daguerrotipo, el proceso fotográfico que Louis Daguerre «pulió» tomando como referencia el trabajo de Joseph Nicéphore Niépce. Indiscutiblemente, dos de los padres de la fotografía, con permiso del sabio Abū Ibn al-Haytham, creador del método científico y responsable del primer diseño de una cámara oscura.

Declan McCullagh

Sus fotos han aparecido en publicaciones como: The New York Times, Los Angeles Times, GQ, Scientific American, la revista Business 2.0, la revista Gear, la revista Premiere, y otras decenas. También han sido elegidas para informes anuales, carátulas de CD, portadas de libros, y se han mostrado en la televisión.

Steve Winter

Lo que más llama la atención de este fotógrafo son sus increíbles fotografías de animales. Ha ganado múltiples premios, entre ellos el de la BBC: mejor fotógrafo del año dedicado a  la vida salvaje. Se requiere una enorme paciencia para encontrar el momento adecuado para poder fotografiar de forma correcta a estos animales. Winter  lleva este estilo a un escalón por encima, captando incluso expresiones y momentos poco habituales en este tipo de fotografía.